Nilupa Yasmin es una artista galardonada que explora una variedad de historias, experiencias y narrativas en su trabajo innovador.
Con un buen ojo para la fotografía emocional y la escultura intrincada, Nilupa intenta y logra expandir los límites del arte y la artesanía.
Mientras explora las ideas y tradiciones culturales de su herencia bangladeshí, también logra capturar temas de identidad, género, antropología y naturaleza.
Lo que también es especial acerca de la joven creativa es su apasionada colaboración con varias comunidades para curar obras de arte.
Esta coincidencia y aceptación de diferentes viajes y recuerdos ayuda a Nilupa Yasmin a orientar su trabajo hacia ciertas narrativas.
Logró este objetivo una vez más en su emocionante obra ‘Ellos y sus hijos son esclavos’, que se mostró en la exposición Estas cosas importan en Londres.
Trabajando con siete artistas contemporáneos de los cuales Nilupa Yasmin fue una de las elegidas, el proyecto exploró los efectos devastadores y a largo plazo del Imperio Británico.
DESIblitz se reunió con el joven talento para profundizar en la exposición, su viaje al arte y las motivaciones detrás de sus encargos.
¿Puedes hablarnos de tu viaje por el arte?
Siento que siempre he tenido una habilidad especial para hacer cosas y pasé innumerables horas haciendo esculturas de origami en miniatura cuando era niño.
Estudié arte desde el nivel GCSE, fui a la universidad y luego a la universidad para estudiar una licenciatura en fotografía.
A partir de la universidad comencé a tomarme el arte más en serio y mis padres me alentaron a estudiar lo que me hacía feliz.
Tuve la suerte de que mi título me animaba constantemente a explorar las muchas formas que puede adoptar la fotografía y fue entonces cuando empecé a tejer, cortar y dar forma a mis imágenes.
Desde entonces, he estudiado un posgrado en educación artística y recientemente completé una maestría en el arte de la fotografía.
¿Hay algún artista que haya influido en tu estilo creativo?
Oh, hay tantos, no todos los artistas fotográficos, probablemente por eso estoy expuesto a tantos tipos diferentes de arte.
Mi favorito de todos los tiempos sería Raisa Kabir, una artista interdisciplinaria, educadora y tejedora que descubrí durante la escuela de posgrado.
Su trabajo habla de la herencia colonial y siempre me ha asombrado su trabajo y su forma impecable.
ella es capaz de crear conversaciones tan poderosas a su alrededor.
Actualmente está exhibiendo en una exposición colectiva en el Craft Council de Londres y definitivamente vale la pena una visita.
“Otro que me viene a la mente sería Sutapa Biswas, que es un artista conceptual de medios mixtos”.
Su trabajo trata temas de identidad e ideas de dislocación y pertenencia, que como artista de color me resulta útil admirar.
Actualmente también expone en la Newlyn Art Gallery de Cornualles, una exposición que no debe perderse. ¡Aquí está mi pequeño tapón de arte!
¿Puedes hablarnos de tu obra ‘Ellos y sus hijos son esclavos’?
‘Ellos y sus hijos son esclavos’ es una pieza de instalación.
Consiste en esculturas fotográficas hechas a partir de imágenes de la ‘Ley para el Mejoramiento de los Esclavos’ de Carolina del Sur de 1701.
Las regulaciones muestran un régimen de castigo y ejecución judicial impuesto para mantener el poder blanco sobre los negros esclavizados y los nativos americanos.
Esta Ley fue sólo una de una larga serie de medidas legales frecuentemente renovadas que imponen estas regulaciones.
El texto de 1701 desapareció del registro histórico en el siglo XIX, pero sobrevive una copia conocida, encuadernada en la colección de manuscritos de la Biblioteca Bodleian.
Cuando entré por primera vez en el Bodleian y miré el artefacto, estaba emocionado.
Porque sin conocer su contenido, me atrajeron automáticamente las páginas y su tacto.
Más tarde, cuando me enteré de lo horribles que eran las palabras en estas hermosas páginas, me horroricé de que esto existiera y que fuera una experiencia terrible para muchos.
Quería que mi trabajo hiciera eso: atraer, pero aún así forzar la interacción de que lo que siempre encontramos tentador no siempre es bueno.
¿Qué tipo de reacción obtuviste?
Estuve allí para la noche de apertura y obtuve exactamente la reacción que quería del trabajo.
Me paré y observé a muchas personas acercarse a la pieza, ya que es atractiva e inmediatamente llama la atención cuando ingresas al espacio.
“Entonces te das cuenta de lo que esconde cada intrincado pliegue”.
Me gustaría que las audiencias futuras realmente pensaran en lo que esto significa para nosotros en el presente y cómo lo usamos para educar a otros en el futuro.
El trabajo es hermoso, fascinante y emocionante de ver, y todo fue a propósito.
Quiero que la obra provoque en ti estas reacciones porque la consecuencia es lo que te hace pensar en cómo afecta la obra y nuestras percepciones.
¿Cómo fue formar parte de la exposición These Things Matter?
Fue una experiencia increíble formar parte de esta exposición y trabajar con los equipos del Museo del Color, Fusion Arts y Bodleian Library.
El apoyo y el estímulo para hacer que el trabajo importe comienza desde cero, de donde surgen proyectos como este.
Y tener una red de personas que constantemente te presionan para sacarlo de la caja, literalmente en mi caso, es increíble.
Uno de los elementos más positivos de este trabajo es conocer y participar con artistas afines y aprender unos de otros. Sobre todo cuando trabajamos en medios tan diferentes.
Es importante mostrar este trabajo y seguir hablando de temas que no siempre son fáciles de compartir y recordar.
Pero lo he dicho mucho durante este proceso; si no hablamos de ello, nadie más lo hará. Si no hacemos el trabajo, nadie más lo hará.
Para muchos, este tipo de exposiciones son el primer vistazo a historias que quedan sin contar porque ya no tenemos acceso a ellas.
Por eso necesitamos este trabajo y necesitamos seguir contando estas historias.
Es mejor que These Things Matter lo reconozca. Sabemos que este no es el final del resultado, aquí es donde comenzamos la conversación.
¿Por qué es importante producir obras en torno a su herencia británica de Bangladesh?
Hay tanta falta de artistas que representen a muchas comunidades minoritarias, y yo soy parte de una de ellas.
Quiero que mi arte sea un espacio de conversación pero también de educación.
“Todos los días aprendo mucho sobre mi identidad británica de Bangladesh”.
Decidí traerlo a mi trabajo porque es importante para mí.
He tenido la suerte de que el trabajo que hago conecta con otros, otros que sienten que los representa.
Lo que significa representar a las comunidades es un concepto poderoso y lo aprendo en mi trabajo.
¿Crees que la industria del arte se está volviendo más inclusiva?
Siempre hay más progreso por hacer, pero no se puede negar que las puertas se están abriendo.
Vemos cada vez más comunidades minoritarias que ingresan a los espacios artísticos como productores, curadores, directores y practicantes.
Creo que ahora más que nunca hay una necesidad de estas conversaciones.
El mundo en el que vivimos cambia constantemente y es nuestro trabajo usar nuestro arte para seguir hablando.
En términos de las dificultades que he enfrentado, no hay una experiencia en particular que me venga a la mente.
Pero me he dado cuenta de que a veces es difícil hablar de los temas que creo o en los que trabajo y que inmediatamente hacen que la gente pierda interés o se aleje.
Descubrí que crear un trabajo que hace lo contrario de lo que digo funciona a mi favor.
Por eso obras como esta tienen tanto sentido, porque te acercas a ellas sin saber de qué están hablando.
A veces solo tienes que dejar que el trabajo hable y alejarte.
¿Puedes contarnos un poco sobre tu proceso creativo?
Curiosamente, algunos de mis proyectos favoritos que he hecho han surgido de cosas que me hicieron enojar.
Ya se trate de roles de género, conflicto de identidad o descolonización. Esto me molesta, así que uso el arte como válvula de escape.
“También leo mucho, paso mucho tiempo investigando y eso ayuda a informar la forma en que se crea mi trabajo”.
Me gusta dibujar ideas y experimentar. Cada pieza es definitivamente diferente.
Trabajo mucho con las comunidades y ellos te dirán qué se está haciendo y cómo. Otras piezas que me gusta hacer han estado sentadas solas en mi estudio.
¿Qué le dirías a los futuros artistas que quieran entrar en este espacio?
No tengas miedo de hacer el trabajo que te apasiona.
Si hay temas que significan algo para ti, eso es suficiente para empezar a trabajar en ellos.
Constantemente les digo a mis estudiantes que saquen su trabajo y lo vean, que asistan a revisiones de carpetas, que se postulen a comisiones, que participen en charlas, que asistan a eventos y exposiciones.
Red es una palabra de moda.
Ninguna idea es demasiado grande o demasiado grande para probar y siempre que no estés dañando a nadie (pega advertencias de activación en trabajos sensibles) sigue creando e intentando.
Además de ser un personaje tan intrigante y defensor de las artes, Nilupa Yasmin también quiere educar a la gente a través de su trabajo.
La importancia de esto es vital para que un artista cree una industria más inclusiva y diversa.
Sin embargo, el arte también es un medio que pone en primer plano experiencias subrepresentadas, algo en lo que la propia Nilupa Yasmin es pionera.
Además de su ética de trabajo permisiva, es artista creativo y profesor de fotografía en la Universidad de Coventry. Por lo que su aporte al mundo del arte es innegable.
Vea más del trabajo de Nilupa Yasmin aquí.